위대한 네덜란드의 황금시대 #3

풍속화

풍속화 속에서는 특정 가능한 유명한 인물이 아니라 초상화로도, 역사화로도 분류할 수 없는 서민들의 일상생활이다.풍경화와 함께 풍속화의 발전과 광범위한 인기는 당시 네덜란드 회화의 가장 큰 특징인데 플랑드르에서도 같은 시기 풍속화의 인기가 높았다.페르메일의 「우유를 따르는 여자」처럼 한 인물을 주제로 그려진 작품도 많지만, 복수의 계층과 군중을 그린 큰 작품도 있다.풍속화에는 많은 화제가 있고 한 인물, 농부 가족, 술집, 집안일 하는 여자, 마을축제, 시장, 막사, 말과 가축 등 다양하다.당시 네덜란드에서는 각 유형의 회화를 지칭하는 호칭은 있었지만, '풍속화'에 상당하는 모든 유형의 회화를 뜻하는 총칭은 존재하지 않았다.18세기 후반 잉글랜드에서는 이들 회화의 총칭으로 유머러스한 회화(drolleries)를 사용하였다..

풍속화에는 17세기 모든 계층 대중의 일상이 그려져 있지만 반드시 정확한 묘사가 이루어진다고는 할 수 없다.풍속 자체를 그린 것도 물론 있지만, 일상생활을 담아낸 듯한 그림이 사실은 네덜란드의 격언이나 교훈을 회화로 그려낼 수도 있다.많은 화가가 외설스러운 가정이나 사창가를 그리는 재미와 교훈적 그림의 양립을 시도하고 있고, 술집도 운영한 얀 스텐(1626~1679년)의 작품이 예로 든다.이들 두 주제의 균형에 대해서는 지금도 미술사가들 사이에서 논란이 되고 있다.후세에 이르러 풍속화에 붙여진 제목에는 "선술집" "여관집" "매춘업소"가 구별된 제목으로 되어 있지만 실제로는 같은 목적의 시설을 의미하는 경우가 많았고, 대부분의 선술집에는 2층에 숙박객을 위한 작은 방이 있고 뒤편에는 매춘 목적의 방이 있었다.「앞은 여관집이고 뒤는 여관집」은 네덜란드의 속담이기도 했다.스텐의 회화는 그야말로 좋은 예이고, 그림에 담긴 구성요소들은 사실적으로 현실화됐지만 전체적으로는 현실화 광경을 표현한 것은 아니다.전형적인 풍속화로 어디까지나 그림으로 표현된 풍자이다.



초기 플랑드르파로부터 물려받은 사실주의와 세부적인 그림을 처음 풍속화에 끌어들인 것은 히에로님스 보스, 피터 브뤼겔 등이었고, 격언과 교훈을 풍속화의 소재로 삼기 시작한 것도 마찬가지였다.윌렘 피에텔스 바이테웨헤(en: Willem Pieterszoon Buytewech), 프랑스 할스, 에사이아스 반 데 베르데(en: Esaias van de Velde) 등이 황금시대 초기의 주요 풍속화가가 되었다.바이테웨헤는 도덕적 우의를 남몰래 숨긴 치장한 젊은이들을 그리고 있다.황데 베르데는 풍경화가로서도 중요한 존재였지만, 그 풍속화와는 대조적으로 풍경화에서는 인물을 수수하게 묘사한다.하루스는 초상화가로 유명하지만 경력 초기에는 풍속화도 그렸다.1625년경부터 술집을 다룬 작품을 많이 그린 플랑드르의 아드리안 브라웰이 하를렘에 머물며 아드리안 반 오스터데에게 큰 영향을 주고 있다.이전까지는 농민을 소재로 한 그림이 대부분 야외 무대에 그려졌지만 브라웰은 농민들을 꾸밈없는 어두컴컴한 방을 무대로 그렸고 오스터데는 초라한 실내 묘사가 화면의 대부분을 차지하는 큰 그림을 그렸다.

황금시대 후반에도 초상화나 역사화를 그리는 화가들은 매우 높이 평가받았으며, 현대의 관점에서는 지나치게 정치하다는 평을 듣기도 하는 이들 작품은 높은 가격에 거래되어 유럽 곳곳에서 인기가 있었다. 풍속화는 네덜란드 사회의 확대되는 융성을 반영하여 점차 온화하고 부유한 계급을 표현한 것이 되어 갔다.

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풍경화

풍경화는 17세기에도 인기 있는 분야로 16세기 플랑드르에서 그려진 풍경화가 최초로 촉매제가 되었다.실재 풍경을 그린 사실적 회화가 아니라 대부분 공상을 섞어 공방에서 그린 그림이며, 초기 플랑드르파인 요아힘 파티닐, 헤리 메트 데 브레스와 피터 브뤼겔이 그 전통을 이어받은 화가들이다.네덜란드에서는 야외에서 풍경화를 그림으로써 보다 사실적이 되었다.플랑드르 풍경화에서 흔히 볼 수 있는 높은 위치에서 부감한 듯한 구도가 아닌 실제 시점에서의 구도이며, 낮은 위치에 그려진 지평선, 넓은 상공에 그려진 인상적인 구름과 쏟아지는 태양이 네덜란드 풍토를 나타내는 전형적인 표현이 되었다.즐겨 화제로 삼았던 것은 서부의 해안, 인접하는 목초지와 가축이 그려진 하천 등이며, 저 멀리 원경에 그림자와 같이 도시의 거리가 그려지는 일도 많았다.언 운하나 개울을 그린 겨울 풍경과 바다도 많이 그려져 있다.

네덜란드 풍경화가 사실주의로 넘어가는 과도기의 중요한 화가로는 에사이어스 판 데 베르데(1587년-1630년), 헨드릭 아펠캄프(1585년-1634년)가 있으며, 둘 다 풍속화가로서도 중요한 화가다.특히 아펠캄프의 작품은 풍경화, 풍속화 어느 쪽의 카테고리에서도 문제가 없는 작품이 많다.1620년대 후반부터 대상물의 윤곽을 완화시키고 흐림효과를 많이 이용해 훌륭하게 하늘을 표현한 풍경화가 그려지기 시작한다('색조 페이즈'). 이들 풍경화에서는 인물이 그려지지 않거나 작고 원경으로 그려지는 경우가 많아 대각선 구도로 물가를 그린 풍경화가 주류를 이루었다.

저명한 풍경화가로는 얀 판 호옌(1595년-1656년), 살로몬 판 로이스다르(1602년-1670년), 피테르 데 모린(1595년-1661년), 시몬 데 프리헤르(1601년-1653년) 등이 있다.최근의 연구는 알베르트 카이프(1620년-1691년)를 포함한 75명 이상의 화가가 호옌의 작풍에 영향을 받아 그림을 제작했다고 한다.

1650년대부터는 고전적 국면이 시작된다.색조 단계 특유의 흐릿한 표현은 남아 있지만 표현력 있는 구도로 빛과 색채가 강한 대비로 그려진 풍경화이다.구도로는 한 그루의 '장대한 수목', 풍차, 탑, 그리고 바다를 그린 풍경화라면 배가 주제가 된 작품이 잘 그려졌다. 이 시기의 중요한 화가로 야콥 판 로이스다르(1638년-1682년)가 있으며, 다양한 주제로 수많은 작품을 그렸다.이탈리아 르네상스풍의 작품이 아닌 우울하고 급류와 폭포를 그린 산과 숲으로 이루어진 대규모 북유럽풍의 그림을 그리고 있다. 미델하르니스 가로수길(1689년)(런던 내셔널 갤러리)로 잘 알려진 메인데르트 호베마(1638년-1709년)는 판 로이스다르의 제자이다.알베르토 카이프와 필리프 데 코닝크 (1619년-1688년) (en: Philip de Koninck) 도 독자적인 작풍 그림을 그리고 있으며, 높이 1m가 넘는 큰 작품으로 알려져 있다.카이프는 이탈리아식 기법인 황금빛의 표현을 낮의 정경으로 사용하고, 전경에 그 빛을 받는 인물을 그려냈으며, 후경에 강과 광활한 자연을 담아냈다.

"색조의 페이즈" "고전적인 페이즈" 어느 쪽에도 속하지 않는 이탈리아풍 풍경화도 네덜란드에서는 그려졌지만 이 스타일의 풍경화가 전부가 이탈리아를 방문한 것은 아니다.얀 보토(?-1652년)(en: Jan Dirksz Both)는 로마 거주 경험이 있으며 카이프 등 네덜란드 풍경회화에 큰 영향을 받은 프랑스 화가 클로드 로랑과 수업을 함께하고 있다.이탈리아풍 풍경화를 계속 그린 화가 니콜라스 베르헴(1620년-1683년), 아담 페이나켈(1622년-1673년) (en:Adam Pijnacker) 을 들 수 있다.페이나켈은 판화로 유입된 이탈리아의 풍경화를 모사한 작품을 당시의 어떤 화가보다 많이 그렸다.

물론 이상과 같은 카테고리에 속하지 않는 풍경화를 그린 화가들도 많이 있었다.렘브란트의 몇 안 되는 풍경화에는 16세기 작풍으로 계곡이 그려진 큰 풍경화를 그린 헤라클레스 세이헬스(1589년경-1638년경)(en:Hercules Seghers) 등 다양한 스타일의 영향이 보인다.

동물이 그려진 풍경화를 그린 화가로 파우루스 포텔(1625년-1654년), 아드리안 판 데 베르데(1636년-1672년), 카렐 뒤잘딘(1626년-1678년), 필립스 와우웰만(1619년-1668년) 등이 있다.소는 네덜란드에서는 부의 상징이었지만 그림으로는 그려지는 경우가 적고, 말이 그려지는 경우가 훨씬 많아 양은 이탈리아풍 풍경화임을 나타내기 위해 그려졌다.

교회 등 건축물을 그린 풍경화도 네덜란드에서는 자주 그려졌다.당초 그려져 있던 것은 상상의 궁전이나 거리풍경으로서, 가공의 북방 마니엘리슴 양식의 건물이었다.플랑드르에서 이런 스타일의 풍경화가 발전해 네덜란드에서도 딜크 판 데일렌(1605년경-1671년경)이 작품을 남겼다.자연의 풍경화처럼 건축물을 그린 풍경화도 점차 사실적으로 바뀌어 갔다.개중에는 원근법을 이용해 교회 내부의 인테리어를 그린 피터 얀스 산레담(1597년~1665년)이나 에마누엘 데윗(1617년~1692년) 같은 화가도 있다.휘태나 헨드릭 판 플리트(1611년경-1675년) 등이 작풍을 이어받은 헤럴트 호크헤스트(1600년-1661년)는 구도에 대각선을 이용함으로써 전통적인 회화 묘사로 극적인 효과를 더하고 있다.헤릿 베르크헤이데(1638년-1698년)는 중간 규모 도시의 중앙 거리, 광장, 공공 건축물 등을 전문적으로 그린 화가이며, 얀 반 데르 하이덴(1637년-1712년)은 암스테르담 거리를 나무와 운하와 함께 차분하고 조용한 정경으로 그린 화가이다.하이든이 그린 그림은 실제 풍경을 그린 작품이었지만 작품의 완성도를 높이기 위해 손을 보기도 했다.

 

네덜란드 정물화는 플랑드르 출생으로 17세기 초 네덜란드 북부에서 활동하던 암브로지우스 보스하르트(1573년-1621년)와 그 일족에 의해 발전했다.보스하르트의 처남 발타사르 판 데르 아스트(1593년경-1657년)(en: Balthasar vander Ast)는 조개와 꽃을 정물화로 그린 최초의 화가 중 한 명이었다.이들 초기의 정물화에서 꽃다발은 비교적 단순하게 표현되어 굳이 말하자면 밝은 색조의 작품이었다.하지만 17세기 중반 이후의 정물화는 윌렘 판 알스트(1627년-1683년)(en: Willem van Aelst)의 작품에서 볼 수 있듯이 암색의 배경을 가진 전형적인 바로크 양식이라 할 수 있다.